Poésie syrienne, Mon corps est mon pays

Porte-paroles d'une génération, les poètes syriens ont, par nécessité, revendiqué les droits du peuple face à un régime totalitaire. Ils sont encore et plus que jamais mobilisés. De par son histoire, et les figures incontournables qui ont incarné les grands mouvements de cet art, la poésie syrienne a permis un renouvellement du genre hors de ses frontières. Beaucoup d'artistes sont aujourd'hui réfugiés politiques. Qu'il s'agisse de femmes ou d'hommes, ils n'ont pas hésité à porter une parole engagée pour la liberté certes d'expression mais pas seulement... Ils revendiquent un des droits humains les plus élémentaires : évoluer dans une société porteuse de bien être et d'avenir pour tous.

Adonis, Arabesques sur papier de vers, collage.

Saleh Diab souligne que les poètes syriens ont joué un rôle essentiel dans la modernisation de la poésie arabe. Les catégorisations qu'il a opérées dans son Anthologie de la poésie syrienne, distinguent la poésie verticale, classique à la métrique stricte, la poésie libre, dont les règles sont moins contraignantes, et le poème en prose. Il faut souligner que ces étapes correspondent à une dynamique universelle qui a rythmé l’évolution de toute littérature : un passage des contraintes formelles ou sémantiques à la liberté de création des supports d’expression artistique. Ce mouvement d’émancipation progressive, que communément nous nommons modernité, ne peut être dissocié du contexte politique. L’évocation du totalitarisme, de la guerre, de la résistance, demande l’invention d’une langue particulière.

Ainsi que l'a énoncé Saleh Diab, dans son analyse, la période dite classique laisse place à une émancipation progressive. Les formes se délient, les sujets abordés le sont dans une langue qui intègre de plus en plus l’évocation du quotidien. La poésie libre et le poème en prose font l’objet d’une catégorisation mise en place par Saleh Diab, qui distingue trois « modernités »… La première est représentée par deux poètes d’Alep, Al-Asadi et Muyassar, dont l’œuvre permet une transition entre la prose poétique et le poème en prose. La deuxième modernité gravite autour de la revue Sh’ir, fondée à Beyrouth en 1957.

Elle est représentée par deux types de poésie, une poésie visionnaire, incarnée principalement par Adonis, et un courant, avec Al-Maghut et Qabbani, qui rend à la langue sa dimension émotionnelle et valorise l'évocation du quotidien convoqué dans une langue courante. Mais celui qui rompt avec la versification est Al-Maghut.

Il faut donc saluer l'immense travail réalisé par Saleh Diab, à qui nous devons un travail incommensurable. Universitaire et poète, il propose non seulement des catégorisations qui rendent compte d'une inscription de l'histoire littéraire de son pays dans une visée évolutive, mais il permet au lecteur français de découvrir de grands poètes inconnus jusqu'alors...

Saleh Dieb, Anthologie de la poésie syrienne,
Le Castor Astral

Ainsi, parallèlement au développement d'une libération formelle, les thématiques abordées sont vastes. Les éléments de la vie quotidienne et le rapport à la terre y sont les mêmes que ceux qui guident la mise en scène du corps : ils sont vecteurs de sensations, de sentiments, et d'un rapport au sacré qui les transfigurent. Dans la poésie orientale, les perceptions sont d’abord celles offertes par la matière, dont elle révèle le lien puissant avec dieu. La posture du poète est alors celle d'un voyant, d'un témoin, d'un homme sage. Et il est aussi celui qui porte la parole de son peuple et qui dénonce, à travers l'évocation de la terre, de l'exode, de la guerre, de la femme et du sentiment amoureux, les abus d'un pouvoir totalitaire.

Ces poètes permettent l’essor d’une modernité formelle mais aussi sémantique : Le poème porte des préoccupations politiques et sociales qui remettent en question les fondements de la société traditionnelle. Tous, à l’exception de Qabbani, appartiennent au Parti national socialiste syrien.

shi'r, numéro 21, volume 6, hiver 1982.

Voie est donc ouverte pour que s’incarne ce que Saleh Diab appelle la troisième modernité. Des poètes comme Al-Hamid, Monzer Masri, produisent une poésie ancrée sur le quotidien et leurs textes intègrent les préoccupations politiques et sociales. Appartenant à la gauche communiste, ils permettent d'éclore à la jeune génération des poètes de l’université d’Alep des année 80. Ils reprennent le flambeau d’une poésie du quotidien, engagée et militante. Ils fondent le Forum littéraire qui joue un rôle essentiel dans l’évolution des formes poétique syriennes. Ils organisent des rencontres et des débats, et permettent à diverses sensibilités poétiques de se croiser, d’expérimenter et de donner naissance à un renouveau qui reste porteur d’une parole politique libératoire.

Le rôle de poète, celui de l'artiste, est resté celui de guide, de résistant, de porte voix d'un peuple opprimé. Il est engagé dans ce combat pour la liberté. La résistance se porte plus que jamais dans le poème. Aujourd’hui, Adonis et d’autres poursuivent leur combat.

A leur côté, la résistance féminine porte elle aussi des visages emblématiques : Samar Yazbek a publié plusieurs recueils. Elle allie le combat pour la libération de sa terre à celui qu’elle incarne pour que les femmes recouvrent les droits les plus élémentaires en Syrie : conduire, étudier, travailler, vivre libres. Aïcha Arnaout vit en France, d’où elle porte toujours la parole de sa génération de femmes dont le destin est condamné par le pouvoir en place. Hala Mohammad poète romancière et cinéaste est elle aussi réfugiée… Et combien d’autres, réfugiées, emprisonnées... Razan Suleiman...!

Qu'ils soient déportés, réfugiés, ou disparus, les poètes syriens ne se taisent pas, ils luttent avec leur arme, les mots, et ce qu'ils représentent de dignité et de courage. Alors, offrons l'espace du silence à Adonis :

Mon corps est mon pays((Adonis, Mon corps est mon pays, in Mémoire du vent, traduction André Velter, NRF, coll. poésie, ed Gallimard.))

Je rêve au nom de l'herbe,
quand le pain devient enfer,
quand les feuilles sèches en leur ancien livre
deviennent cité de terreur,
je rêve au nom de la glaise
pour abolir les ruines, recouvrir le temps,
pour appeler le secours du souffle premier
récupérer ma flûte la première
et changer de parole.

Après les cendres de l'univers,
le rêve est la couleur et l'arc de la couleur,
il secoue ce temps qui dort dans l'épaisseur du givre,
muet comme un clou,
et le verse comme une urne
et l'abandonne au feu, à l'instant bondissant
du germe des âges et l'avancée des enfants -
et portent l'étincelle, la lumière.

Je me suis lavé les mains de ma vie
fragile comme un papillon,
j'ai réconcilié l'éternité et l'éphémère
pour déserter les jours, pour accueillir les jours,
les pétrir comme du pain, les purifier des rouilles
de l'histoire et de la parole,
pour me glisser dans leurs châles
comme une chaleur ou un symbole,
car il est dans mon sang une éternité de captive,
une éternité d'expiation colportée par ma mort
et autour de ma face une civilisation en agonie.

Me voilà pareil au fleuve
et je ne sais comment en tenir les rivages
moi qui ne sais rien excepté la source
l'errance où vient le soleil comme une jument rouge
voyante du bonheur du malheur, devin ou lion
un aigle qui dort comme un collier
au front de l'éternité.
.

6 poètes ukrainiens

photo en une : La Tour de David (détail), Marc Chagall, 1972, musée national Marc Chagall - ©photo mbp

La situation inédite et dramatique de l’Ukraine nous amène à modifier le sommaire de ce numéro de Recours au poème, et à consacrer ce focus à des poètes ukrainiens, en signe de solidarité pour la liberté.

La littérature ukrainienne a une longue tradition qui remonte au XIe siècle. L'un de ses poètes les plus connus est Taras Shevchenko du XIXe siècle, qui a commencé par une poésie lyrique romantique, avant de passer à des poèmes plus sombres sur l'histoire ukrainienne. La poésie et l'histoire sont encore étroitement liées dans l'Ukraine contemporaine, où la poésie vit sous une grande diversité de styles, allant des rimes aux vers libres, et des recueils imprimés au slam et à la performance. Les bouleversements politiques du pays, ces dernières décennies (de la révolution de Maïdan à l'annexion de la Crimée par la Russie, à la guerre du Donbass), avait amené l’éclosion d’une poésie audacieuse et directement politique, avec des lectures et des représentations souvent très suivies.

La sélectionque nous présentons avait été réalisée le 11 September 2020 par Paula Erizanu et Yury Zavadskyde, pour la revue the calvert journal, dans une traduction anglaise dont je suis partie pour vous présenter ces textes, et ces poètes dont on souhaite que la voix libre continue de s’élever contre le bruit des chars et des canons. Parce que la poésie est le dernier recours de l’esprit et de l’humain, face à la violence et la barbarie.

Alors je vais en parler

Serhiy Zhadan – d'après la trad. en anglais de John Hennessy et Ostap Kin

Alors je vais en parler :

de l'œil vert d'un démon dans le ciel coloré.

Un œil qui épie en marge du sommeil d'un enfant.

L'œil d'un malade dont l'excitation remplace la peur.

Tout avait commencé avec de la musique,

avec des cicatrices laissées par les chansons

entendues lors des noces d'automne avec d'autres enfants de mon âge.

Les adultes qui jouaient de la musique.

L'âge adulte défini par cela - la capacité de jouer de la musique.

Comme si quelque note nouvelle, responsable du bonheur,

apparaissait dans la voix,

comme si ce talent était inné en l’homme :

être à la fois chasseur et chanteur.

La musique est le souffle caramel des femmes,

la chevelure au parfum de tabac d'hommes qui mélancoliques

se préparent au combat au couteau contre le démon

qui vient de gâcher la noce.

La musique en-deça du mur du cimetière.

Les fleurs qui poussent dans les poches des femmes,

Les écoliers qui jettent un œil furtif dans les chambres de la mort.

Les sentiers les plus battus mènent au cimetière et à l'eau.

Tu ne caches que les choses les plus précieuses dans le sol—

l'arme qui mûrit de colère,

les coeurs en porcelaine des parents qui sonneront

comme les chansons d'une chorale d'écoliers.

Je vais en parler—

des instruments à vent de l'angoisse,

de la cérémonie de noce aussi mémorable

que l’entrée à Jérusalem.

Régle le rythme brisé du psaume de la pluie

sur ton coeur.

Des hommes dansent comme ils éteignent

un feu de steppe avec leurs bottes.

Des femmes s'accrochent à leurs hommes dans la danse

comme si elles refusaient de les laisser partir en guerre.

Ukraine de l’est, fin du deuxième millénaire.

Le monde déborde de musique et de feu.

Dans l'obscurité, s’élèvent la voix de poissons volants et d’animaux chanteurs.

Depuis, presque tous ceux qui s’étaient mariés sont morts.

Depuis, les parents des gens de mon âge sont morts.

Depuis, la plupart des héros sont morts.

Le ciel se déploie, amer comme dans les romans de Gogol.

En écho, le chant des moissonneurs au travail

En écho, la musique de ceux dans les champs charrient des pierres.

En écho, sans arrêt.

Serhyi Zhadan (Serhiy1 Viktorovytch Jadan) né le 23 août 1974, à Starobilsk , est l’un des piliers de la littérature ukrainienne post-soviétique. L’œuvre de ZHadan a fortement marqué les générations des lecteurs grandis dans les années 1990-2010 en lui assurant une exceptionnelle notoriété dans son pays, avant tout auprès des jeunes adultes.

Ses œuvres font l'objet de traductions en plusieurs langues européennes.

*

l'automne commence par un détail insignifiant

Ella Yevtushenko, traduit d'après le texte anglais de Yury Zavadsky

l'automne commence par un détail insignifiant : des clés oubliées dans une autre ville, les pièces d'argent de la toux dans la gorge, une tasse de thé turc,

des pièces de monnaie en cuivre, de l’eau dans la batterie,

la grêle,

Je ne l'ai pas senti, et il est déjà là, un chat errant se blottissant, se frottant les pattes

laissant sur les jeans des feuilles fanées

ce n'est que par une nuit aussi pluvieuse qu'on peut frapper à la porte du balcon, ce n'est que par une nuit aussi pluvieuse qu'on peut l’ouvrir

mais ce qui se dresse derrière dépendra du cinglé endormi pendant sa garde sous la fenêtre, ou des pins qui déchirent l'ourlet des nuages.

et de la foudre répétant le motif des veines sur vos tempes.

l'automne commence par quelque chose d'enfantin —cela frappe à la porte et s'enfuit ; Je veux lire au lit toute la journée; tu es enveloppé comme une momie, une humide gaze de brume —

et cela continue avec quelque chose d’ancien : cela ne boit pas d'alcool, un diamant de froid palpite dans ses genoux

et ainsi de suite - à chaque fois - et à chaque fois c'est le premier sujet de conversation

comme s'il n'y avait rien de plus important que cet automne, mouillé comme un matin sous une croûte prématurément arrachée

cela vole le temps des conversations de travail, intercepte une vague de commérages, se couche avec un chat errant sur le balcon, où des tas de secrets auraient dû s’assembler.

l'automne nous pousse à la cuisine pour allumer la bouilloire

l'automne commence par un détail insignifiant, mais grandit rapidement comme les enfants des autres

un peu d'hiver sortira de son ventre froid, la neige couvrira nos êtres momifiés, figés en un demi-mot

puis plus personne ne frappera à la fenêtre du balcon au cœur de la nuit

et puis il y a le risque général de cesser d'exister pendant un certain temps

Née en 1996, à Kiev, Ella Yevtushenko est une poète, traductrice et musicienne ukrainienne.
Elle traduit de la poésie, des romans et des essais du français et de l’anglais.
Elle dirige depuis mars 2019 sur la chaîne telegram une émission sur la traduction, « Ella au pays des mots ».
Elle a publié un premier recueil acclamé, Lichtung, et a remporté plusieurs concours de poésie en Ukraine.

*

U¹ (You)

Dmytro Lazutkin , traduit d'après la version anglaise de Yury Zavadsky

le ciel se rapproche

quand les avions biplaces atterrissent sur l'eau

dans la baie de Vancouver

des dizaines de petits bourdons de fer semblent bavarder entre eux :

J'ai vu le dos des baleines sauter par-dessus l'océan

J'ai tiré le surfer du ravin

J'ai parlé à la voile quand elle changeait de cap

seuls toi et moi ne savons rien de l'essentiel

et d'énormes albatros ont volé notre déjeuner

pendant que nous nous embrassions sur les pommes de pin

en scrutant la brume de la baie

les oiseaux ont déchiré notre nourriture

car ce n'est pas seulement du pain

qui respire au ralenti

et pas non plus les frites…

toutefois

une libération

peut être la continuation d'une compression

et un tatouage sur ton cou

j'y ai fait une croix du bout de ma langue

puis nous avons regardé les volleyeurs de décembre

c'est un hiver chaud

et ils flamboient

ne restent que des sujets colorés

ils jettent leurs vestes sur le sable

et j'ai regardé chaque balle rebondir

en te serrant plus fort

comme le soleil embrasse la queue d'une salamandre

comme le regard enivré du pêcheur embrasse les filets trop secs

et les fumeurs de shit convergent vers les buissons de magnolia

pour respirer respirer respirer

cet océan froid dans lequel toutes les réponses reposent sur des crochets

nos questions

ce vent calme

qui rapproche les îles du rivage

et le chinois sérieux tentant d'arrêter le temps

s'infiltrant entre leurs bâtons

et des lumières brunes chassant de leurs nids les ratons laveurs

et à ta douce demande sur la façon de prononcer correctement le nom de mon pays

J'ai dit:

eh bien

apprends

la première lettre -

note :
1 - le titre est intraduisible – la lettre "u" se lit comme "you", mais aussi comme l'initiale du nom "Ukraine", souvent mal prononcé

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Dmytro Lazutkin, est né en novembre 1978 à Kiev. Là, il est diplômé des écoles de mathématiques et de musique. Il a fait ses études supérieures à l'Université technique nationale et plus tard à l'Université internationale de Kiev. Il a travaillé comme ingénieur métallurgiste, entraîneur de karaté, journaliste, présentateur de l'émission télévisée "Dans le monde des arts martiaux" et commentateur sportif.
Il est l'auteur de plusieurs recueils de poésie, slameur, et parolier de chansons

*

L'Amour à Kiev

Natalka Bilotserkivets, trad. d'après la version anglaise d'Andrew Sorokowsky

C’est plus terrible l’amour à Kiev que

De splendides passions vénitiennes. Des papillons

Volent légères taches lumineuses en forme de chandelle -

Les brillantes ailes des chenilles mortes s'enflamment !

Et le printemps a allumé les bougies des châtaignes !

Le goût tendre du rouge à lèvres à deux sous,

L'audacieuse innocence des minijupes,

Et ces coupes de cheveux qui ne sont pas parfaites -

Pourtant l'image, la mémoire et les signes nous émeuvent toujours...

Tragiquement évidents, comme le dernier hit.

Tu mourras ici du couteau d'un scélérat,

Ton sang se répandra comme la rouille dans une

Audi flambant neuve dans une ruelle de Tartarka.

Ici, tu plongeras d'un balcon, dans le ciel,

tête baissée vers ton sale petit Paris

Avec un chemisier d’un blanc de secrétaire.

Tu ne sais pas reconnaître un mariage d’un décès…

Car l'amour à Kiev est plus terrible que

Les concepts du nouveau communisme : des spectres

Émergent dans les nuits ivres

Du Mont Chauve, ils tiennent dans leurs mains

des drapeaux rouges et des pots de rouges géraniums.

Tu mourras ici du couteau d'un scélérat,

Ici tu plongeras d'un balcon, dans le ciel, dans

Une Audi flambant neuve d'une ruelle de Tartarka

Tête baissée vers ton sale petit Paris

Ton sang se répandra comme la rouille

sur une blouse d’un blanc de secrétaire.

Natalka Bilotserkivets est une poète, rédactrice et traductrice de renom. Ses poèmes sont traduits dans une douzaine de langues européennes et figurent dans diverses anthologies. Natalka Bilotserkivets est née le 8 novembre 1954 dans la région de Summy. En 1976, elle est diplômée du Département de philologie de l'Université de Kiev. Depuis 1986, elle travaille pour le magazine "Culture ukrainienne" ("Українська культура").

*

[Ne m'embrasse pas sur le front comme un cadavre]

Yulia Musakovska; traduit d'après la version anglaise de Yury Zavadsky

Ne m'embrasse pas sur le front comme un cadavre

disons, presque deux fois flétri, et même les lunettes et les yeux.

Médicaments mêlés aux sucreries, les pages du livre aussi jaunes que sa peau.

Il déverse quelques-unes de ses précieuses histoires dans l'espace vide.

Je vois tous les protagonistes comme de vieilles connaissances.
Des officiers du KGB accroupis sur le même lit d'hôpital, avec des chaussures hongroises brillantes -
pour celles-ci, on pouvait tuer. Le regard est moqueur.

Il a dit, ces Beatles, ce département de langues étrangères, ne vous feront aucun bien.

Tout cela est réservé à l’élite, ce n’est pas pour les orphelins, pour les parents pauvres.

Et il s'est caché comme du fromage dans du beurre, tranquillement, comme une souris.

Nous avons attrapé des gens comme vous dans les ruelles, coupé leurs racines.

Les gens respectables appréciaient cela, c’était respecté.

Ce serait pour leur fils. Pour un logiciel de combat, pour de la viande vivante.

Je vois aussi cette femme, sa bouche vermeille de travers. Ses

jambes d'araignée, d’éclat de porcelaine, d’outils métalliques.

Un appartement moisi avec des plafonds trop hauts.

Mais lui, je le vois plus clairement que tous - fort, avec une guitare.

Les yeux grands ouverts et les pouces dans les poches de son jean.

Avec des milliers de pages de livre stockées dans sa mémoire.

Avec un visage ouvert sur le monde. Vers l'eau sombre et profonde.

Pas pour une fille, pas pour une querelle -

pour la libre portée des armes,

pour une haute vague haute, pas portée sur l'épaule.

Yuliya Musakovska est née en 1982 à Lviv, en Ukraine. Poéte et traductrice, elle a publié quatre recueils de poèmes, Exhaling, Inhaling (2010), Masks (2011), Hunting the Silence (2014) et Men, Women and Children (2015). Ses travaux ont été publiés dans de nombreux magazines, almanachs et anthologies, traduits en anglais, allemand, suédois, lituanien, hébreu, polonais, bulgare, russe.
Yuliya traduit de la poésie du suédois et a publié ses traductions de Tomas Tranströmer. Elle traduit également la poésie ukrainienne moderne en anglais (publiée dans l'anthologie bilingue de la poésie ukrainienne Lettres d'Ukraine, 2016).

*

la communication

Yury Zavadsky, trad. française à partir de celle de l'auteur.

Bizarre comme les sentiments dépendent de la tension artérielle.

L'électricité dans mon corps m'empêche de rester sur place.

Et, malgré tout, je m"efforce de ne pas bouger.

Mes doigts courent nerveusement sur le clavier.

Puis les vers inégaux deviennent des rêves diurnes.

Tes textos me pourchassent.

Je n'ai pas envie de me taire, mais je n'ai rien à te dire.

Le temps est révolu, aucune pilule ne peut le ramener.

Reste seulement une désagréable fatigue quand ce temps est passé.

La nuit et le rêve troublant dont on ne peut se souvenir.

Il me semble que je suis heureux

je sens la chaleur de ta présence

et tes doigts si proches.

O, ces jours sans racines comme mes poèmes

m'emplissent d'alcool.

Aujourd'hui, toute la journée est un matin.

Une brume froide, ses gouttelettes en suspension.

L'espace vide de l'automne.

Il me semble que je suis heureux à côté de toi,

jamais je ne me suis senti aussi confiant et calme.

J'hésite si tout va si bien,

cependant, quand ces jours seront passés,

je m'en souviendra

comme des jours les meilleurs

- Ferme les yeux et détends-toi, tu le sens ?

- C'est l'automne et sa mélancolie sur nous.

- Juste moi et ma crise intermittente.

Yury Zavaedsky est né à Ternopil, en Ukraine, en 1981. Titulaire d'un doctorat en théorie de la littérature, il est aussi poète, traducteur, critique littéraire, interprète, bruitiste et éditeur.

Les revues, du papier à la toile

Les revues culturelles sont innombrables, et forment une ensemble aux contenus éditoriaux variés, qui diversifient les approches sur la discipline concernée. Elles sont un extraordinaire lieu d’information, d’expériences, de confrontations, d’échanges et de réflexion pour ceux qui s’intéressent notamment à la littérature, à son actualité, à sa dimension critique. Leur fréquentation a considérablement changé avec l'apparition des supports numériques, qui démocratise leur accès et offre aux revues uniquement diffusées en version papier une visibilité accrue et un moyen de diffusion démultipliés.

Ces lieux de croisement et d’élaboration d’une pensée polysémique sur les éléments culturels contemporains de leur époque ne datent pas d’hier puisque les premières revues littéraires françaises apparaissent au XVIIe siècle avec la création du Journal des savants, en 1665, et en 1672, avec l’apparition du Mercure Galant, créé par Donneau de Visé et Thomas Corneille qui prend le nom de Mercure de France en 1714.

La fin du XIXe siècle et le début du XXe apparaît comme une période particulièrement intéressante. Les conditions favorables de la presse permettent un foisonnement de petites revues éphémères dans les années 1880, qui deviennent progressivement un lieu de création littéraire, mais aussi un lieu d'échanges culturels internationaux.

Les revues dédiées spécifiquement à la poésie ne sont pas en reste car elles suivent cette évolution. Déjà préside une volonté de diffuser les idées et les opinions, de faire connaître des poètes… Pour notre époque (incluant le siècle dernier) Ernt’revue dénombre 380 revues de poésie contemporaines dont 41 revues uniquement numériques, d’autres utilisant les deux vecteurs, papier et site internet pour assurer la promotion et la diffusion de leurs publications, de facto accessibles au plus grand nombre dans un périmètre géographique très étendu.

Couverture du Mercure galant du 1er janvier 1714, Gallica

Qu'elles soient diffusées sur papier ou bien en version numérique, les sommaires proposent généralement des similitudes. A côté des poètes, qui proposent souvent des inédits, on y retrouve des rubriques qui en général sont constituées de critiques, d’actualités, de réflexions autour de thématiques ou d’auteurs spécifiques. Ces revues sont également le lieu d’un syncrétisme artistique, et nombre d’entre elles dédiées à la poésie publient des plasticiens, et lorsqu’elles sont numériques permettent de visionner des vidéos ou d’écouter de la musique.

Les revues représentent donc le lieu d’un croisement de voix, d’approches, de disciplines et d’opinions. C’est cette collectivité qui en fait la spécificité.

Avec l’avènement de l’internet nous avons assisté à la naissance des revues numériques. Bien que les sommaires n’échappent pas aux passages obligés adoptés par leurs consœurs publiées sur un support papier, les possibilités offertes par le vecteur informatique multiplient les potentialités éditoriales. On peut y écouter les poètes, entendre leur voix, approfondir nos connaissances à propos d’un auteur, ou d’un plasticien, et intégrer de manière effective de la musique ou des vidéos, pour voir des adaptations, lectures, performances, en lien avec les pages consultées. Ces liens hypertextuels permettent un enrichissement du contenu et en modifient même la nature, puisqu'il se voit sémantiquement augmenté par ces apports potentiels.

Les zones géographiques du lectorat de Recours au poème pour la semaine du 29 avril au 5 mai, donnée recueillies grâce à Google analytics.

Ces revues numériques ont aussi la particularité de changer la nature du lectorat, car elles sont accessibles en temps réel à n’importe quel endroit de la planète. Recours au poème est lu à l'internationale, ainsi que le montre les données recueillies sur Google analytics, outil qui permet d'affiner l'analyse des fréquentations. Cette accessibilité immédiate et internationale motive et transforme leurs contenus, et façonne l’approche des rédacteurs de ces publications numériques. En effet, le croisement entre deux cultures constitue une thématique bien souvent abordée, parce que de facto l'accès à cette poésie à échelle planétaire motive des échanges fructueux entre des univers poétiques n’appartenant pas à un même pays, continent, et offrent l’opportunité en amont de penser des sommaires qui mettent en avant ces croisements et ces échanges, montrant ainsi l’universalité de la poésie, ainsi que sa puissance lorsqu’il s’agit de créer des ponts et des partages entre des cultures différentes.

Elles facilitent également une diversification des catégories d'âge du public. Accessibles en ligne, elles sont bien souvent consultées par des personnes de classe d’âge différente de celle du lectorat des revues papier, même si ces dernières grâce à une promotion en ligne ont trouvé à travers cette vitrine un moyen de connaissance et d’abonnement facilités. Les revues numériques constituent donc une tout autre manière de diffuser de la poésie, de la rendre accessible et lisible, et de toucher un public plus large et diversifié.

Classe d'âge des lecteurs de Recours au poème, données concernant la semaine du 29 avril au 5 mai, Google analytics.

Nombre de lecteurs ayant consulté les pages de Recours au poème, données concernant la semaine du 29 avril au 5 mai, Google analytics.

Force est de constater que les revues de poésie numériques sont aujourd'hui le lieu de l’élaboration d’une autre manière de lire de la poésie, et de la diffuser. Ces progrès techniques ont en effet contribué à changer la nature du lectorat de ces dernières. Leur accès est facilité, disponible sur différents supports, et ce quel que soit l'endroit de la planète où le lecteur se trouve. Ils ont également modifié la nature des contenus. Enrichis grâce à des moyens technologiques variés, les textes poétiques ou critiques sont soumis à de possibles enrichissements sémantiques grâce aux potentialités hypertextuelles. Lieu de passage, plus que jamais les revues quel que soit leur vecteur de publication sont des lieux de croisement entre diverses voix poétiques, mais pas seulement, elles supportent l’énonciation de réflexions théoriques et la découverte de poètes, qu’il est désormais permis d’écouter, tout comme il est possible d’approfondir les connaissances sur tel ou tel auteur, plasticien, musicien, ou bien sur un point critique ou théorique.

Pour prolonger cette réflexion, et rejoindre ou retrouver Ent'revues, que nous remercions pour ces propos : https://www.entrevues.org/surlesrevues/rever-hors-le-bruit-du-meme/

Chiara Mulas, la poésie et l’expérience du terrible

Une flamme – c’est la première idée qui m’est venue quand j’ai rencontré Chiara Mulas. Née en 1972 à Gavoi Sardaigne-Italie, diplômée à l’académie des Beaux-arts de Bologne, elle est parmi les plus représentatives et inventives de l’art-action du XXI siècle, et présente en ouverture des Journées Poët-Poët, le seul festival international de Poésie des Alpes Maritimes, qui s'est déroulé du 19 au 27 mars.

Un flamme brune aux yeux immenses – profonds et vifs, chaleureux, et interrogateurs. Une flamme vêtue de noir comme un signe calligraphique – menue dans la grande salle où sont exposés les autoportraits de son travail de confinement : CORONAMASK.
Des portraits un peu plus grands que nature, où son visage est caché/montré sous des assemblages d’objets hétéroclites, composant des sortes d’allégories en écho aux événements de chaque jour – des fleurs, des oiseaux, des objets du quotidien – une série intrigante, dont parle fort bien Serge Pey dans le livre qui lui est consacré. Des masques tendres, cruels, ironiques, qui détournent le sens et l’usage. Un geste qu’ont bien compris les enfants qui, la veille, ont participé avec elle à l’atelier de création qu’elle animait. L’un d’eux, dit-elle, avait apporté des balles de fusil de son père – et il avait écrit le mot PAIX sur son masque en les utilisant.

Corona mask, de Chiara Mulas
chez maelstrÖm reEvolution,
présentation de Serge Pey

Chiara Mulas présente pour le vernissage de cette exposition un hommage à Pier Paolo Pasolini, dont c’est très précisément la date anniversaire : 1920-2022 : sur une bande son composée de musiques traditionnelles s’avance en robe blanche comme un aube celle que je voudrais nommer officiante, tant est solennelle et ritualisée la performance.

Cette robe affiche le visage répété de Pasolini comme un tablier qui la recouvre, et Chiara impassible porte dans sa bouche une rose. A son poignet, un bracelet comme en portent les couturières, avec un coussin rouge hérissé d’épingles, qu’elle saisit une à une d'un geste hiératique, pour accrocher sur les bouches du poète les pétales qu’elle arrache à la rose qu’elle tient dans sa bouche. Les gestes sont lents, amples et emplis de respect. Les derniers pétales sont posés sur les yeux de Pasolini, clos eux aussi, et l’officiante quitte la robe comme on sort d'une chrysalide, réapparaît en signe noir, et berce ce corps absent contenu dans la dépouille aux visages du poète – exovie qu’elle vient de quitter, en chantant une rauque mélodie – une « ninanana » sarde réservée aux naissances et aux morts...

Chiara Mulas, "ex voto pour Pier Paolo Pasolini", La Gaude, 5 mars 2022, Les Journées Poët-Poët

Voici les mots qu'elle a bien voulu confier à Recours au Poème pour parler de son art :

Artiste aux multiples facettes, tu as des pratiques artistiques très diversifiées - quels sont les éléments de ta formation, et les rencontres, qui t’ont amenée aux types d’expression artistiques que tu pratiques et présentes? Quels liens établis-tu entre ton travail et la poésie?

Je suis à la base une artiste plasticienne et aussi une ouvrière. Je me suis formée à l’Académie des Beaux Arts de Bologna en Italie où je travaillais dans une usine.

Mon ancien professeur d’art plastique de l’époque avait débuté son premier cours en disant : ce n’est pas l’Académie qui fera de vous des artistes! Il avait raison car le chemin de l’art est avant tout un parcours intérieur, une expérience avec le sacré, qui dialogue à la fois avec l’invisible et la réalité du monde avec toute sa complexité.

Dans mon travail j’aime mélanger différents média : vidéo, photo, installation, dessin, enregistrement sonores et plus rarement du texte.

Dans mon parcours, la rencontre avec Serge Pey avec lequel je partage ma vie personnelle l’Art e la Poésie-Action, est fondamentale. Mon travail avec Serge est un poème dont l’espace de réalisation est écrit à deux main. Ensemble nous mettons en place des rituels, dans lesquels le mots, les images , les actes permettent d’écrire un autre poème qui s’échappe de la page blanche. C’est un dialogue permanent avec l’invisible du poème, qui se nourrit de la réalité qui nous entoure, même si celle ci n’est pas toujours un poème.

Extraire la poésie du quotidien pour la faire exister en tant que poème c’est un acte nécessaire pour mettre sur un autre plan la réalité de notre monde.

Mes « performances » sont des poèmes en action qui parlent au monde, qui le questionnent, qui le dénoncent. Parfois le choquent, parfois l’enchantent, souvent servent à le faire comprendre d’une autre manière en déplaçant le point de vue.

Dans mon travail certains thèmes de dénonciation sociale reviennent plus souvent, par exemple le corps de la femme au centre des conflits, la femme et la religion, le corps de la femme en tant que corps politique etc.. Je mets aussi en avant toute mon indignation face au traitement des sujets les plus démunis, fragiles et stigmatisés au sein de notre société dite moderne en lui rendant hommage. Nous sommes confrontés au quotidien à toute sorte d’injustices sociales, au racisme, à la violence, à l’exclusion. Face à la folie de ce monde malade, le devoir de l' artiste est aussi de donner voix aux invisibles et aux oubliés. Une autre thématique centrale de mon travail en lien avec la poésie, est celle des rituels liés à la mort. Mon point de départ est toujours la culture sarde à travers laquelle je parle au monde, comme dans le sacrifice des vieux, la « Faida » et l’euthanasie rituelle. Ces deux dernières étroitement liées à la poésie, avec les femmes qui improvisent les chants pendant les cérémonies funèbres. Il faut aussi dire que en Sardaigne le poème accompagne chaque instant de la vie, de la naissance, à la vie quotidienne, les fêtes et la mort.

Tu soulignes - et c’est évident dans les performances que j’ai pu visionner tout comme dans celle à laquelle j’ai assisté - l’importance de ton enracinement culturel/géographique : peux-tu préciser en quoi cette culture nourrit ton travail? De quelle façon, selon toi, la mythologie, l’histoire, éclairent le présent à travers ton art?

Je suis née en Sardaigne, une île au centre de la Méditerranée.

Cette magnifique terre, conserve encore aujourd’hui ses traditions anciennes liées à sa position géographique, sa conformation géologique et son histoire entre domination et résistance face aux peuples envahisseurs qui se sont succédés au fil des siècles.

Sa condition insulaire a forgé le caractère de ses habitants, confrontés à un territoire parfois âpre et montagneux, dur à cultiver surtout dans le centre de l’île, nommé la Barbagia, où seulement l’élevage des chèvres et des moutons était possible. C’est donc cette culture agro-pastorale qui a bercé et nourri mon imaginaire, fait de mythes ancestraux, de médecine populaire, de superstitions, de traditions et coutumes entremêlés de religion catholique et animisme, dans un syncrétisme magique mystérieux et riche de sagesse populaire.

C’est dans ce contexte géographique et culturel que je puise mes idées pour créer mes performances, mes vidéos, mes tableau vivants, et mes oeuvres plastiques.

Je plonge les mains aiguës de ma modernité dans la culture sarde et je la mets en relation avec la réalité du monde contemporain, pour établir un dialogue qui contient un message universel.

La forte relation avec la nature qui est particulièrement présente dans mes vidéos, est étroitement liée à ma géographie natale. Je suis très attachée à ma terre et sa culture, c’est comme une valise intérieure invisible que je porte partout sur mon chemin de vie.

Les peuples des « périphéries » du monde ont beaucoup à nous apprendre, surtout aujourd’hui en pleine globalisation, où il faut retrouver le chemin de la singularité et de l’authenticité et bien d’autres valeurs perdus, que je retrouve encore dans la culture sarde qui essaye de résister face au bouleversement du monde moderne.

Dans ton travail, le visage, la rose rouge, les épingles…forment une constellation « lexicale » qui revient et qui marquent plusieurs des photos de CoronaMask, cadrées comme des clichés de photo d’identité - peux-tu nous parler de ce vocabulaire qui « signe » tes créations? Et nous expliquer aussi la façon dont est né pout toi le projet CoronaMask et la façon sont tu l’as mené?

Mettre un poème en action est pour moi une façon d’exprimer l’urgence de dire. Oui : de dire, mais en images, comme une phrase écrite sous forme de rébus. Le mystère et l’énigme d’une action sans texte, interroge et au même temps offre une multitude de clefs de lecture à celui qui la regarde.

C’est toujours un dialogue avec l’inconnu.

La poésie d’action me permet de réunir en un seul temps-espace plusieurs fragments de mon univers. Je travaille souvent sous forme de rituel, dans lequel une certaine ligne esthétique et unité de couleurs sont présents. Par exemple le choix du noir, du blanc et du rouge ou l’élection de certains objets que j’utilise de manière différente selon l’intention.

Un poème d’action nécessite certains « ingrédients » avant d’être mangé. J’aime bien la formule de la recette de cuisine, car le travail d’artiste comporte aussi une partie artisanale, faite à la main.

Les « ingrédients » que j’utilise dans mon travail d’action et aussi plastique, sont souvent issus du quotidien ou d’un magasin de bricolage, bien sur d’un fleuriste..! J’aime détourner les objets en les faisant exploser de sens, c’est là que quelque chose d’inattendu peut intervenir et c’est magique.

La poésie d’action génère une autre vision du monde et dévoile le sens caché des choses.

C’est l’éclatement d’un morceau de réalité qui soudain produit du sens, là ou ne l’attends pas. La poésie d’action doit être toujours un art critique, qui permet de montrer la beauté du monde et aussi sa monstruosité, à l’image de l’être humain.

Dans la série CoronaMask, j’ai procédé de la même façon. Face à cette situation inédite qui a bousculé le monde entier, j’ai ressenti l’urgence de dire à ma manière, toute mon indignation vis à vis de la gestion politique et sanitaire catastrophique.

Suite à la décision d’un premier confinement et à la pénurie de masques de protection, j’étais tellement furieuse et désemparée que j’ai décroché du mur mon masque traditionnel sarde de « Su Boe » et je l’ai endossé en prononçant la phrase « pas de masques en pharmacie? pas de souci!.. ».

Ensuite cette phrase est devenue le leitmotiv qui a accompagné les 56 jours du confinement qui ont suivi, un masque par jour réalisé dans l’espace réduit des toilettes, avec les objets diverses et varié présentes dans mon appartement. Dans cette situation anxiogène, bombardée d’info contradictoires et trompeuses où tout le monde est devenu « l’expert » sauf les vrais scientifiques, j’ai détourné tous les objets à ma disposition en réalisant un dialogue critique avec l’hystérie des information toxiques de tous les jours. Mon corps en première ligne comme support pour donner voix à ces masques indignés comme des drapeaux politiques. Ce travail en forme d’autoportrait ou de selfie a voyagé sur FB, soutenu par des centaines de personnes qui l’ont suivi au quotidien, a été publié aux éditions Maelström ReEvolution.

J’avais évoqué à propos de tes performances un lien avec un certain « théâtre de la cruauté » tel que le concevait Antonin Artaud, qui le définissait comme « souffrance d’exister » et non cruauté envers autrui. C’est qui m’avait vraiment frappée dans le geste des pétales épinglés sur la bouche de Pasolini, mais plus encore dans d’autres performances comme « Agnus Day » (jeu de mots interlinguistique entre "day" , le jour, et "dei", le "dieu" latin) - Que peux-tu nous en dire?

L’art que je pratique n’appartient pas au divertissement, ni au spectacle, encore moins au théâtre car je ne répète jamais et je prends toujours le risque de me planter.

Je suis du côté de Guy Debord, d’Artaud, de l’Actionnisme Viennois, du Living Théâtre, de Pasolini..J’aime le travail de Ana Mendieta, Chris Burden, Regina José Galindo, Piotr Pavlenski, Gina Pane, Joseph Beuys etc..pour en citer quelques uns.

Face à la violence du monde, mon travail s’inscrit dans un espace rituel et convoque une violence symbolique comme un exorcisme, une guérison, une réparation.

J’invente à chaque fois un dispositif d’offrande ou de sacrifice pour dévoiler la face cachée des choses. Pour inventer cette langue qui m’est propre je dois avant tout l’arracher, comme dans l’hommage au mythe de Philomèle. Dans mon art je mêle les pratiques artistiques et cérémonielles archaïques de mon peuple à une nouvelle modernité que j’invente.

Quand je filme mon copain berger en Sardaigne, qui tue et écorce l’agneau de Pâque pour rendre hommage à Pier Paolo Pasolini, c’est pour parler d’un Christ parmi tous les Christ du monde.

Quand je berce un agneau piqué de seringues, j’évoque l’Agnus Dei de Zurbaran mais aussi le bouc émissaire des douleurs de notre monde. L’agneau écorcé est l’homme contemporain torturé et avili qui, comme dans le passé, porte le témoignage de notre souffrance.

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"ex voto pour Pasolini", La Gaude, mars 2022

"Agnus Day", Villasor, Sardaigne, 2009

Je voudrais aussi parler de l’extraordinaire performance de « la langue arrachée » dont je n’ai vu qu’une captation qui m’a marquée par sa « tranquille violence » pour utiliser un oxymores qui, pour moi, retrace la violence invisible qui nous prive de la légitimité de parole. On perçoit un très fort engagement de ta part - veux-tu nous en parler?

J’ai réalisé cette action pour célébrer le texte théorique « La Langue Arrachée » de Serge Pey.

Le mythe de Philomèle est pour Serge, le mythe constitutif de sa thèse sur l’histoire de la poésie dans laquelle il parle de sacrifice du langage. La notion de sacrifice est bien présente à plusieurs niveaux dans cette légende dramatique, rapportée par les auteurs grecs.

Dans sa thèse, Serge mets en avant plusieurs convergences expliquant les relations complexes entre écriture et réalité.

Dans mon action j’ai reconstitué l’histoire de Philomèle avec des gestes, des objets et des images qui évoquent toute la symbolique du mythe.

Quand je fais une action, ce n’est pas moi qui est en « scène », c’est une autre moi. Je suis toujours dans un état « autre » qui demande une grande concentration. je suis présente tout en étant absente car je me trouve dans un espace sacré qui est celui du rituel. Dans cet espace, la notion du temps, les gestes et tout ce qui m’entoure y compris les spectateurs, sont « suspendus », tout en laissant l’ouverture à l’accident, à l’imprévu, qui peut surgir à tout moment.

La violence tranquille que tu évoques est celle de Philomèle, mais aussi celle du cri de Dada après le massacre de la Première guerre Mondiale, c’est le cri d’une gueule cassé qui ne peut proférer un mot.

Dans le contexte actuel, l’art, la poésie, peuvent-ils être « utiles » : c’est le sens que nous donnons à notre revue, comme « recours » au poème - y a-t-il encore une possibilité de « recours à l’art » ?

L’humanité est malade. Il suffit d’observer ce qui se passe ces derniers temps, sans vouloir retracer l’histoire de l’homme depuis sa préhistoire, entre la pandémie, la guerre et pas seulement celle en Ukraine, et la barbarie qui s’étend au monde entier. Nous sommes en train de perdre notre humanité, confrontés à la monstruosité du monde que nous avons engendré. La pulsion de mort est très forte et nous sommes tous en quête du sens et de spiritualité. L’art comme le poème appartiennent à un espace sacré qui n’a rien à voir avec le religieux mais plutôt avec l’animisme. C’est ce lien perdu avec la nature qui peut nous réconforter. Je pense que oui, nous avons la possibilité d’un recours à l’art et au poème en tant que forces réparatrices et de guérison. Si nous avons perdu la boussole, le poème va nous indiquer le chemin.

Ce chemin qu'indique la "poésie-boussole," c'est peut-être cette photo qui l'illustre le mieux : cette rencontre autour du corps absent du poète, l'échange amoureux de deux enfants porteurs de l'avenir du verbe et du monde,

avec ma gratitude à Chiara Mulas pour ses réponses et sa patience.

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découvrir Chiara Mullas sur son site : http://chiaramulas.fr/#Home

Présentation de l’auteur

A Casa di a Puisia : entretien avec Norbert Paganelli

Dans les temps difficiles des divers confinements est née, à Ajaccio, l’idée d’une maison de la poésie – Casa di a Puisia - portée par le poète Norbert Paganelli. C’est une maison de la poésie qui n’a d’autre siège que la « maison bleue » de son président, Jean-Jacques Colonna d’Istria, également éditeur. Une maison qui pourrait être nomade, bien qu’enracinée dans une langue, une culture, et un territoire, la Corse. Son objectif : promouvoir la diffusion de la poésie sous toutes ses formes, animer et d’accueillir les manifestations poétiques de Corse et d’ailleurs pour contribuer à son rayonnement.

Très active dès sa naissance, elle organisait en 2021, dans le cadre du Printemps des poètes, un concours en français et en langue corse, qui a donné lieu à la publication d’un recueil, Désirs, et à la remise de deux prix, cérémonie touchante à laquelle j’ai eu le plaisir d’assister : en effet, a casa di a puisia lançait également, dès la fin 2021, une série de rencontres mensuelles, dont je fus, avec Jean-Pierre Siméon, la première invitée.

Recours au poème ne pouvait que consacrer son dossier du printemps à cette naissance, en donnant la parole à Norbert Paganelli, en évoquant également son anthologie de la poésie corse, le prix créé par la Maison de la poésie – sans oublier la belle revue I Vagabondi de Jean-Jacques Colonna d’Istria, et l’hommage à la regrettée Marie-Ange Sebasti, corse dans l’âme.

Comment est née l’idée d’une Maison de la Poésie de la Corse ?

Il y a de cela cinq années, je m’étais étonné d’une absence de structure de ce type en Corse alors qu’il en existait un peu partout en terre continentale. Avant d’aller plus avant dans ma réflexion, j’ai interrogé un certain nombre de maisons de poésie pour voir comment elles fonctionnaient, sur quelle structure juridique elles étaient assises, quels étaient les difficultés rencontrées mais j’en étais resté à un vague projet.

Quel a été l’élément déclencheur pour vous inciter à passer à l’action ?

En novembre 2019, j’ai eu le plaisir de rencontrer, avec l’éditeur Jean Jacques Colonna d’Istria, l’organisateur du festival poétique de Trois Rivières en la personne de Gaston Bellemare. Ses premières paroles furent : « Mais comment se fait-il qu’il n’y ait pas de Maison de la Poésie en Corse ? ». Je lui ai bien-sûr répondu que l’idée était dans l’air mais qu’il n’y avait rien de concret pour le moment. Après notre rencontre, j’ai longuement échangé avec Jean-Jacques Colonna d’Istria qui m’a convaincu qu’il fallait maintenant passer à la phase opérationnelle en lançant l’initiative.

Dès lors qu’avez-vous fait ?

Nous avons pris contact avec les services de la Collectivité de Corse qui ont été particulièrement réceptifs à notre volonté et nous ont incité à lancer de suite le projet. « Nous attendions que quelqu’un le fasse, bravo, allez-y on vous soutient ! » Nous avons, en sortant, travaillé les statuts et monté un premier programme d’actions. Nous étions en janvier 2020 et n’avions que quelques jours pour déposer notre dossier afin de solliciter une aide financière, nous avons tout bouclé en quelques jours.

C’est ainsi qu’a démarré la Maison de la Poésie ?

Le COVID a largement contrarié notre projet puisque durant l’année 2020 pratiquement tout ce que nous avions prévu a dû être annulé ou reporté...Ce fut catastrophique etnous pensions jeter l’éponge ! Nous avons renouvelé une demande d’aide après des services de l’Action culturelle et avons obtenu satisfaction pour l’année 2021, ce qui nous a permis de réaliser un certain nombre d’actions.

2021 est donc la première année de vie effective de votre structure...

Oui, le prix annuel de poésie a obtenu un réel succès avec plus de 250 participants venus de pays divers. Une sélection des meilleurs textes a donné lieu à la réalisation d’un ouvrage qui sortira des presses courant janvier, deux sentiers de la poésie sont réalisés dès le début de l’année prochaine, nous avons pu organiser deux cabarets poétiques en fin d’année...L’essentiel a pu être réalisé. On peut donc considérer cette année 2021 comme un véritable baptême du feu d’autant plus que notre identité visuelle est maintenant fixée et que notre site internet sera bientôt en ligne.

Comment fonctionne la Maison de la Poésie de la Corse ?

Elle repose sur un conseil de 33 membres venant d’horizons divers : des poètes, bien sûr mais aussi des peintres, des sculpteurs, des musiciens, des professeurs, des directeurs de revue qui définit les orientations annuelles et une équipe restreinte qui les met en œuvre. Si cette équipe est composée de personnes s situant dans la même aire géographique (on comprend aisément pourquoi), le conseil est composé de personnes vivant en Corse et de personnes vivant sur le continent.

Quels sont les principes qui fondent la démarche de la Maison de la Poésie de la Corse ?

Il y en a quatre qui seront toujours présents à notre esprit :

L’ubiquité : nous avons souhaité ne pas disposer de locaux propres afin de pouvoir intervenir en plusieurs lieux et vous savez combien l’intérieur de la Corse est souvent difficile d’accès ! Avoir des locaux nous aurait conduit à privilégier obligatoirement une ville ou une micro- région alors que nous souhaitons que la poésie puisse rayonner partout !

L’aspect multiforme de la poésie : nous souhaitant mettre sur un pied d’égalité toutes les formes de poésie car notre rôle n’est pas d’enfermer la création dans une seule pratique. nous accorderons autant d’importance au slam qu’à la poésie visuelle ou aux traditionnels Chjam’è rispondi

La transversalité des pratiques créatives : il n’est pas sain que les poètes ignorent les peintres, les musiciens, les sculpteurs, les photographes, nous voulons mettre un terme à cette sectorisation des activités qui débouche sur un appauvrissement. Les deux prix qui ont été remis aux vainqueurs des prix sont d’ailleurs des œuvres picturales, c’est un symbole mais il y aura d’autres convergences entre les pratiques.

La médiation : comme toute pratique créative, la poésie nécessite des clefs de compréhension, il est du devoir de la Maison de la Poésie de rapprocher le grand public des créateurs en encourageant explications et mises en perspectives. Seuls ceux qui détiennent déjà ces clefs défendent l’idée que l’œuvre d’art n’a besoin d’aucune explication, qu’elle s’impose d’elle-même. Pour cette raison nous développerons des ateliers de création qui tenteront de mettre à jour certains mécanismes et nous faciliterons l’acquisition des techniques d’expression.

On peut avoir le sentiment que la Maison de la Poésie de la Corse est une structure identitaire qui n’a d’autre but que de s’intéresser à la poésie insulaire. Est-ce le cas ?

Soyons clairs : c’est la maison de poésie de la Corse et en cela elle cherchera toujours à illustrer et à défendre la culture et la création insulaire, que celle-ci s’exprime en corse ou en une autre langue. Par contre, ce serait mal nous connaître que d’imaginer une quelconque fermeture. Nous sommes, non seulement ouverts à toutes les formes de poésie, mais aussi ouvert au monde. D’ailleurs peut-on, un seul instant, imaginer une pratique créative qui ne le soit pas ?