José Carbonero, de son vrai nom Giuseppe Carbonara, qui a utilisé pour ses œuvres poétiques initiales le pseudonyme de Gregorio Carbonero, est né au Venezuela (Boconó 1953) de parents italiens émigrés dans les années 50. Après ses études de Physique et de Musique, il entreprend une carrière de hautboïste dans des orchestres symphoniques et de chambre, d’abord dans son pays natal, ensuite en Italie, où il s’installe dans les années 90. lI s’y consacre à l’enseignement musical, ainsi qu’à l’écriture en italien. Le premier pas vers la reconversion poétique de Carbonero a commencé donc par son propre nom, voire par ses noms, des pseudonymes rendant impossible l'instauration d'une correspondance officielle, “certifiée” avec la réalité, dépourvus de la force nécessaire pour convaincre de son existence. L’expérience familiale et personnelle de la migration est en effet pour Carbonero celle d’un “effondrement, une vidange soudaine, une interruption. La sortie d’une conscience séparée qui demande de s’expliquer-expliquer sa propre vie” (Ai confini del verso. Poesia della migrazione in italiano, Florence, Le Lettere, 2009). Pour permettre cette “explication ”, le poète recourt aux vers en italien afin qu'ils fassent appel, plus qu'aux faits concrets, à la trame sensible du souvenir, qui émerge grâce à la résonance musicale de la nouvelle langue. Le voyage du migrant “de retour” représente, à bien des égards, une remontée de l'outre-tombe, vers une nouvelle hypothèse de temporalité. Le fait d’écrire dans sa langue maternelle devient ainsi pour le poète une manière de stipuler un accord, de s'enraciner dans un en deçà reconnaissable. C'est un processus délicat, en équilibre constant par rapport à la désagrégation du sens, entièrement confié au pouvoir des mots nouveaux. Carbonero avait entendu ces mots, presque clandestinement et sans les utiliser, chez lui, l'italien étant perçu comme une langue pour gueux, devant rester enfermé entre les murs domestiques comme le deuil qu'il revêtait . Arrivé en Italie, après avoir passé un an à Bari chez ses proches des Pouilles, le poète se déplace à Fano puis à Crémone, où il est resté pendant presque vingt ans, et enfin à Ghedi, en province de Brescia, où il vit toujours. L'Italie, du Sud au Nord, se dévoile à lui telle une exposition de réalités variées, et parfois contrastées, avec les mots qui les représentent. La fragilité, la perméabilité identitaire, amplifiée par un pays qui ne coïncide pas avec celui, certain et immobile, que la mémoire familiale a transmis, pousse la poésie de Carbonero à s'ancrer solidement dans un quotidien fait de petits choix incertains, de gestes douteux, pactisant chaque fois avec le vertige de la mémoire, avec le présent comme altérité et la nouvelle langue maternelle d’un “italiano straniero”. Les textes de Carbonero sont publiés, encore sous le nom de Gregorio, dans le recueil Nervature (Rome, Zone, 2006, préf. C. Bordini, dernier volume de la collection “Cittadini della poesia” dédiée à la poésie transnationale italophone, que j’ai dirigée à partir de 1998 ; et dans l’anthologie Ai confini del verso. Poesia della migrazione in italiano (cit.), toujours sous ma direction et avec la postface de F. Sinopoli, qui réunit la production poétique d’une vingtaine de poètes transnationaux en italien. Récemment, sous le nom de José, Carbonero a auto-publié deux recueils électroniques : Dio gioca ai dadi (truccati) et Litania e Scarabocchi (Streetlib Selfpublish, 2015).

* * *

Si, en tournant à l’angle

Tu t’es trouvé quelquefois à la moitié du chemin de quelque chose
et tu risquais de perdre la voie droite ? Et par esprit de contradiction
ou pour te rassurer tu as tourné à l’angle ?
Mais tu l’avais, toi, la voie droite ? Ou tu es un qui, dans le tas
va par de faux raccourcis, ce n’est pas à tout le monde qu’est offerte (semble-t-il)
la voie droite,

ne viens pas me dire après, pas la rengaine habituelle
que tu le sentais, que c’est ainsi pour toi, que tu y es en plein
que tu le savais (non, au moins ça ne le dis pas).   

Si tu démêles l’écheveau le fil disparaît ?

Tourner était prévu, qu’il y eût un dessein
ce n’est pas sûr, quoique, toutefois…

Si tu tournes la page tu peux te passer de tes souvenirs
là où de toi est un souffle, au moins ou à peu près ? Et en lui
un bord taché de rouille, et dans la rouille
un moulage et encore, encore une empreinte qui changeait
et qui ne fut jamais mienne ?

Pourquoi ai-je dû attendre ?
Je tournais autour de moi-même,
une main pleine, l’autre vide,
ma main pleine cherchait la vide,
elle la savait plus sûre, inévitable,
c’est pourquoi j’ai dû attendre
pour comprendre ensuite que ni l’une ni l’autre n’étaient miennes.

La personne que je ne suis pas
mais un peu plus maigre, des gestes moins mesurés

se vit marqué par un geste
ou deux, un trait soulignant un mot
répété, un cercle

où la phrase était trop évidente et ce n’était pas
chose à supporter,

presque futile presque inutile, survivre sembla
un miracle.

                                                                                                      (de Nervature)

***

Paysage

Aujourd’hui je n’ai que fuyantes ébauches de réalité
aujourd’hui tout paysage semble m’échapper
aujourd’hui m’échappent les lieux qui devraient
être miens et rester près de moi.

De la grille descend sur la plage un dégradé de gris
vers un ourlet d’écume et de sable mouillé
s’immerge le ressac en une lumière faible sans limites.

Une respiration légère,
à peine quelque chose qui se sépare.
Le rivage se dépouille, effleure le reflet
qui encore subsiste.

Aujourd’hui le couchant est un azur coulé à pic
une couleur déliée effacée,
il utilise peu de signes de vie.

À la fin pliée et éteinte,
la plage récupère, se renouvelle,
écorces humides, restes gonflés d’eau salée, ce détrempé
ramené à la surface par une autre marée, d’autres plantes,
autres, sur un autre rivage.

                                                                                                        (de Nervature)

***

Persistances

Tu sais que si tu effleures cet air de fil
chaque chose va se défaire en mots.

C’est ainsi tout s’embrouille et perd
la forme qui nous accueille, qui nous permet.
Ainsi va l’oubli cultivant ses obscures fourmilières
et tu ne le comprends pas, tu ris et ignores sa compassion.

Lui enfile le fil dans le chas quand tu t’endors
cuit miel et parcimonie et toi, toi tu ne le sais pas.

                                              (de Litanie e scarabocchi)   

(Trad. J.-Ch. Vegliante)

* * *

Médecin et chirurgien en Albanie, et à partir de 1999 chercheur à l'Université de Padoue, Arben Dedja (Tirana 1964) est traducteur de l’anglais et de l’italien, et poète. Dans son premier recueil publié en Italie, La manutenzione delle maschere (“L’entretien des masques”, Bologne, Kolibris, 2010, sous ma direction), l’histoire politique albanaise s'avère être la protagoniste, mais d'une certaine manière déconstruite, comme le soulignent les masques du titre,  réinterprétée par le filtre de la démocratie des destins, grâce auquel la polémique sociale sert plutôt à présenter une humanité où les “derniers” incarnent les victimes d'une congénitale stupidité d'espèce. “L’entretien” entrepris par Dedja, est un exercice démystifiant implacable, opéré avec scientificité à travers la procédure de l'autopsie, c’est-à-dire par l’intermédiaire de la décomposition anatomique, impartiale de la matière – et on fait référence à ce propos au titre de son volume de récits Amputazioni prolungate (“Amputations prolongées”, Lecce, Besa, 2014) – au moment où la réalité de la mort confère à chaque chose la place qui lui est due. La poésie colloquiale et anti-lyrique de Dedja refuse un engagement affecté pour atteindre avec un réalisme caustique les “bas-fonds” de la condition humaine. Une poésie bilingue – et l'italien, né au début comme auto-traduction en regard de l'albanais, devient de plus en plus prioritaire – qui a en réalité des racines profondes dans l'italophonie, et qui y joue avec une simplicité exhibée, apparente. Dedja aime raconter, en effet, que dans son enfance albanaise, avec la chute des certitudes à propos de l'instruction imposée par le parti, s'était répandue l'habitude de confier ses enfants à un enseignant libre, un instituteur qui appartenait souvent aux classes sociales renversées, ou un ancien communiste tombé en disgrâce, qui leur dispensait l'enseignement des langues occidentales. Avec son Maître, le poète s’était trouvé impliqué dans des très longues leçons où l'étude de l'italien était abordée en comparaison de l'anglais, du français, du turc, et des règles élémentaires de grammaire ouvraient des passages dans toutes les directions du savoir, des arts. Un apprentissage omnivore et plurilingue, sur lequel, au fil des ans, Dedja reconstruira une stratification de mondes poétiques destinés à donner, avec une compassion ironique et une simplicité méprisante, sur les vers italophones. Et ce n'est pas un hasard si son dernier recueil poétique s’intitule The vanishing twin (Lecce, Besa, 2015, sous ma direction), en référence au syndrome du “jumeau perdu”, celui des deux fœtus qui meurt et est absorbé par la croissance de l'autre. Dans ce livre, l'anglais, fréquenté à travers son activité de traducteur, est marqué dès le début comme une composante importante de l'humorisme et des dramatisations grotesques des textes ; alors que l'allusion au syndrome est un puissant renvoi au simulacre fragile de tout ce qui a été dans le passé de sa langue maternelle, corps éthéré d'une identité mobile, reversé dans la voix poétique jumelle survivante, laquelle saura s'en charger, et qui, en l'absorbant, le transformera pour pouvoir grandir dans la langue nouvelle.

***

Élégie cruelle pour mon père

1.
J’ai lavé mon père mort
un matin de mars, les engelures
de l’hiver encore aux pieds
et justement je commençai par les pieds
– eau et savon – jusqu’à ce qu’il sente
l’odeur du détergent, puis entre les cuisses
j’ai effleuré à peine les testicules en cette
occasion pour la première fois dévoilés
je l’habillai en chemise et costume
le meilleur, en lui tenant droite
la tête, qu’elle ne retombe pas sur la poitrine
je l’étendis sans-montre-et-sans-bague
je coiffai ses cheveux blancs je le rasai
à sec je haletai sur ses souliers
neufs trois-manches-de-cuillers-cassés et
à la fin lui mis une cravate après
avoir fait d’abord le nœud sur
mon cou.

2.
Père mien quand tu mourus
nous t’avons gardé vingt-quatre heures
chez nous pour te rendre les derniers
honneurs, une longue veille
mais dehors l’hiver abandonnait
la terre si bien qu’à minuit
nous éteignîmes le chauffage, entre nous
recroquevillés pendant que quelqu’un
répandait des parfums dans la pièce
le couloir la cuisine l’autre pièce
le monde entier.

3.
Mon père  pleuré quand tu mourus
ce ne fut pas une mince affaire
de te descendre par les escaliers étroits de l’immeuble
construit avec les travaux forcés de l’époque
hodjienne, un cousin au septième
degré juché sur les barres
de la fenêtre du voisin se chargea
de diriger les opérations, le menuisier
du cinquième étage démesura
avec un mètre les angles du calvaire
un martyr mit son dos
sous le cercueil mais de toute façon
la lampe fut quand même cassée
dans l’escalier et le crépi
rayé pendant que toi là-dedans tu bougeais
un sac de noix posé sur la tête
qui selon l’usage
devait sortir la première.

                                                           (de La manutenzione delle maschere)

* * *

Emilio Salgari

On l’a trouvé dans son bain tout moisissure
ce lointain 25 avril 1911
suicidé en une espèce de hara-kiri avec son rasoir à barbe
comme dit-on faisaient les héros
de l’Orient Extrême que, sans jamais y aller, il décrivit,
parce que presque ainsi Sandokan tua le Tigre,
parce qu’ainsi l’imagination s’est noyée dans la prose,
parce qu’ainsi les usuriers sont plus réels que les trésors,
parce qu’ainsi les éditeurs accouchent de charognes,
parce qu’ainsi les chiffons deviennent célèbres en essuyant du sang
                                                                                                   [d’écrivain,
parce qu’ainsi vraiment triomphe la quotidienne banalité du rasage. 

                                                                                                  (de La manutenzione delle maschere)

* * *

Le discours du leader

On mangeait de la pastèque dans les derniers rangs.

L’atmosphère était celle des
moments historiques :
la salle dans la pénombre
prête à être illuminée
par la marée des applaudissements.

Au premier rang
on remarquait une fatigue
de fesses pendantes
parmi les vétérans.

Quand au milieu
d’une longue phrase il fit une pause
et respira profondément on entendit
le tic tac
des coupe-ongles (invention chinoise).

(de La manutenzione delle maschere)

(Trad. J.-Ch. Vegliante)

* * *

Pour Eva Taylor (Heiligenstadt 1956) – installée, depuis les années 1980, à Florence, où elle vit actuellement, professeur de langue allemande à l'Université de Bologne – on peut dire que l'usage littéraire de l'italien précède chronologiquement, hormis l’exception de quelques rares textes, celui de l'allemand, en inaugurant d’ailleurs sa production poétique. L'italien est, de ce fait, l'instrument qui permet à Taylor de revenir sur ses pas pour affronter l'histoire privée et collective de sa langue maternelle tout en se réconciliant pleinement avec son poids historique. C’est à cause de son propre parcours biographique que la relation de Taylor à l’allemand se caractérise par une attention portée aux superstructures conceptuelles liées au rôle de cette langue dans l'histoire du XX^ème siècle. Le premier accroc existentiel de cette poétesse remonte, en fait, à son enfance, lorsqu'elle est contrainte de fuir l’Est avant la construction du mur. Toute son histoire familiale, qui forge la matière du roman autobiographique Carta da zucchero (Ravenne, Fernandel, 2015), est vécue à partir de ce moment “à rebours”. La migration en devient l’expérience fondatrice, et le fait qu'elle se produise à l'intérieur d’un seul pays, dans un contexte linguistique également germanophone, fait en sorte que le rapport avec la langue est compromis : bien que langue maternelle, l’allemand devient ainsi une langue d'acceptation contrastée, que Taylor définit comme “langue-marâtre” pour le manque d'une relation “de sang”, naturelle, et l'impossibilité de s’y réfugier afin de trouver le repos dans le berceau des sons rassurants de l'enfance. Ce sera en revanche la rencontre avec l'italien, amenée par la seconde expérience migratoire, qui renouera les liens les plus profonds, grâce justement à ce qu’il représente au niveau rythmique et musical. Les dynamiques et les raisons de l’expression plurilingue sont abordées par Taylor dans son premier recueil italien L’igiene della bocca (“L’hygiène orale”, Brescia, Ed. l’Obliquo, 2006), qui naît de la comparaison intertextuelle avec un livre spécialisé dans les pathologies odontologiques trouvé dans la salle d'attente d'un cabinet dentaire. Les poèmes de Igiene della bocca se concentrent, au sens figuré, sur l'aspect médico-stomatologique de la communication grâce auquel Taylor peut se permettre de “creuser” dans l'instrument de l'articulation linguistique, la bouche, pour remonter des mécanismes du dire jusqu'à ses raisons, et à ses résultats. Le recueil suivant, Volti di parole (“Visages de mots”, Brescia, Ed. l’Obliquo, 2010), intègre tous les aspects de la distanciation existentielle résultant de la migration ; la section “Ricettario minuto” (“Petit livre de recettes”) de ce dernier, en particulier, est construite sur le modèle du déroulement de composition de L’igiene della bocca : l'idée vient d'un autre genre textuel particulier, celui des recettes culinaires, en s’inspirant duquel Taylor produit des précis inutilisables de différents aspects de l'aliénation quotidienne. La question linguistique reste donc la matière fondatrice de toute la poésie de Taylor, qui, au delà de la rhétorique facile de la beauté et de la nécessité du cosmopolitisme plurilingue, se concentre au contraire sur son aspect de douleur, sur toutes les tensions, les vertiges que celle-ci comporte. Un choix de poèmes d’Eva Taylor a paru en France dans le recueil Arguments pointus (Paris, Le hasard d’être, 2014, trad. J. Spaccini & A. Panek). Elle fait également partie du groupe “Compagnia delle poete” (www.compagniadellepoete.com).

* * *

J’ai deux bouches
par l’une je parle
par l’autre je saigne.
Ce matin j’ai choisi le rouge à lèvres le plus rouge
pour couvrir les traces de sang.
Tu m’as regardée et tu as dit :
tu es bien.

                                                               (de L’igiene della bocca)

***

Dans le noir
j’essaie de vous prendre,
paroles
liquides nagées
évaporées
vous vous posez
sur le bord de ma bouche,
amours toujours lointains
filles désobéissantes.
Vous affleurez cachées
en bonbons colorés
suçotés un à un.

La langue
ne distingue pas bien
votre goût
elle vous tourne et retourne jusqu’à la nausée.
Et quand la main ne vous trouve pas
vous redevenez ce que vous êtes :
couronnes dans une bouche édentée,
prothèses pour broyer la vie.

                                                                   (de L’igiene della bocca)

***

Loin de chez soi
Tu as vu, disait la mère,
tu as entendu, disait le père :
ils cherchaient un pays derrière les pierres.

Loin du lieu destiné
en mouvement nocturne vers ailleurs.
Fuir, disaient-ils, et :
si nous étions restés.
Entre ces deux phrases
j’erre sans but.

                                                               (de Volti di parole)

***

Recette pour poisson hors de l’eau

La plupart des poissons est muette.
Laissez-le bouillir quelques instants
faites-le refroidir dans l’eau de cuisson
enfin versez-le dans l’alphabet.
Il apprendra à nager, à respirer et à parler
mais il aura toujours l’impression
d’être quelque chose d’autre.
Son léger goût d’amertume
que certains apprécient
et d’autres trouvent écœurant
vous fera penser à un accent.
On peut le supprimer avec un filet d’huile d’olive.
Extra-vierge, pression à froid.
Mieux encore très froid. Presque comme d’eau.

                                                                                        (de Volti di parole)  

(trad. J.-Ch. Vegliante)  

De l’immense poète que fut, en italien et en latin, Giovanni Pascoli (1855-1912), il suffirait de rappeler qu’il a ouvert la voie à la foisonnante saison poétique de son pays au XX^e siècle. Ungaretti et Montale et Pasolini, sans parler de Quasimodo, ont dû d’abord le traverser. Latiniste et dantologue reconnu, il succéda au Prix Nobel G. Carducci à la prestigieuse chaire de Littérature de l’université de Bologne (1905). Quasiment inconnu en France, du fait des profonds déséquilibres entre les deux traditions romanes (à la proximité illusoire), et surtout peut-être à cause de l’extrême difficulté de sa lecture en traduction/réception^*, il mériterait enfin qu’un éditeur digne de ce nom procure au moins une vaste anthologie, voire un recueil complet de ses vers. À bien des égards précurseur de certaines découvertes linguistiques (l’anagramme selon Saussure), psychologiques (l’inconscient) et ethnologiques (la puissance du populaire, comme chez Rimbaud – voir, avec Lapide, le début de Enfance II), il a été sans conteste l’un des plus géniaux rénovateurs du vers italien. Le seul peut-être à pouvoir rivaliser avec les grands Symbolistes par la puissance évocatrice de son langage multiforme. Lyrique et élégiaque dans ses premiers textes, il s’est essayé ensuite aux longs poèmes virgiliens, géorgiques ou épiques ; récemment, son Dernier voyage [d’Ulysse], dans les Poèmes conviviaux, 1904, a été magnifiquement rendu en français par Evanghélia Stead (Seconde Odyssée, Grenoble, J. Million 2009). Quelques pages ont été traduites en anglais par Seamus Heaney. Nous ne donnons à lire ci-dessous qu’un des multiples aspects de sa poésie, parmi les plus anciens de son livre de jeunesse, Myricae – humbles arbustes ou tamaris –, en attendant mieux, et plus “haut” (paulo majora…) si l’on ose dire, que la simple mais si précieuse élégie.

^* Voir aussi  chroniquesitaliennes.univ-paris3.fr

 Expression précise, concise, nette et limpide. Un espace-temps littéraire d’après des désastres, contemporain d’autres désastres. La pensée court immédiatement à Eliot, à la terre gaste, ravagée, le monde rendu indisable. Et aussitôt bien sûr la langue du poème, pure affaire de mots (4 occurrences du lemme « parola » dans les 52 titres de l’Index, 16 fois dans l’ensemble de ce recueil, Tersa morte, le dernier de Mario Benedetti) : affaire de signes écrits et de rythmes sobres, secs, plus que de confidences – voire de souvenirs : ce n’est « pas l’histoire à raconter » qui importe. Pas davantage de sentiment que chez Leopardi. Dans la suite logique des Peintures noires (2008), où planait déjà l’ombre de parents disparus – et d’un planh caché sur la mère –, ce nouveau livre poétique poursuit le rauque de la voix, l’espèce d’abrasion du discours, jusqu’à ce qu’on perçoive le silence de son souffle même ((Voir mon Le silence du souffle, déjà sur ce dernier livre de Mario Benedetti, « Le nouveau recueil » 4 sept. 2012)), le gel tranchant d’une Mort nette, dont Benedetti semble avoir fait l’emblème et le stigmate de l’ultime poésie encore praticable. Il n’est pas interdit de penser à quelque rapprochement, sur un ton mineur non tragique, avec le plus quotidien, presque familier Celan : un effacement qui n’est pas muet (Stille) pourtant.

C’est que certains poètes ne craignent pas d’exposer leur travail comme une « demande » qui permette d’aller de l’avant, entre témérité et pudeur, quoi qu’il en coûte face à l’incompréhensible absolu de notre propre devoir mourir. Alors qu’une majorité de faux lecteurs font semblant de continuer à « s’occuper, / presque quotidiennement ils se sentent éternels », cherchant au mieux dans le texte une consolation, un prétexte à se mettre de côté, à se préserver dans le divertissement, à se bâtir – ou à se déconstruire – un système intellectuel protecteur raffiné. Cette poésie-ci s’offre dangereusement, à la poursuite d’un temps disparu qui n’a peut-être jamais été que dans le regard du petit égaré, Idiot boy détournant le sort par « seulement boire, boire, mâcher, mâcher » (une section du livre non traduite ici), projeté en avant donc, aurait dit Rimbaud, dans un futur textuel où nous puissions aussi nous projeter. Poésie transitive, poreuse et laconique, ouverte aux courants de notre monde désuet et cybernétique, musical, oral (des textes de Benedetti sont chantés, d’autres touchent aux pratiques du slam), tissu de contradictions et de violence comme un grand flux de paroles dont ne resteraient que des bribes soudain traversées de paysages lancinants ; de visages. « Feuilles parmi les feuilles » et lieux précis (Frioul, Milan). De photogrammes enregistrés, où ? autrefois, malgré nous. D’inscriptions (le mot FIN du film Femmes entre elles), de panneaux ne donnant plus aucune indication lisible – la pensée va aux « Tombés en A. O. », aux « Chemins de Fer Nord Milan » de Raboni (Quare tristis). De très vieilles poésies dirait-on aussi, à dechiffrer (« De Mimnerme… ne plus se réveiller »), et toujours la question seule :

Comment témoigner des morts,
vivre comme si nous l’étions,
mourir comme nous le sommes.

 _{(poème non traduit).}

Dans cet air raréfié, il semble enfin qu’écrire, selon une tradition également très ancienne, aspire à quelque apprentissage de la disparition privée, non trop indigne. Où ne manque jamais l’attention au malheur public, dont l’Italie post-moderne a eu plus que son lot… Il s’agit bien entendu d’une aspiration laïque, mais les poètes de la famille de Mario Benedetti l’ont souvent invoquée, chacun à sa manière : et c’est un maître du doux style nouveau, déjà, Guido Guinizelli, qui se réjouissait avec Dante de le voir, passant par l’au-delà « pour mieux mourir [se] charger d’expérience » (Purgatoire XXVI, v. 75). Reste à savoir si le langage permet encore de penser – puis d’articuler – un tel espoir après le siècle des désastres.

Car la Waste Land traversée ici est instable, perfide. Il y faudrait une langue nouvelle (comme on dit), dépourvue de résonances, d’éloquence, mais non de voix sous peine de vacuité inutile. Ou de pur jeu mental. Désormais, semble avertir cette poésie de l’après, il faut partir de l’indécision, de l’ignorance, de l’indistinct : dans le deuil tout est pareil, les visières des mottes de terre soulevées, les sentes du sous-bois dans les cheveux, les doigts grimpants, les buissons « farine et eau mélangées sans mains » parce qu’il n’y a plus de mains, et le soir enfin muet, quand le soleil couchant est juste l’image d’un plus grand amour-trop-tard (Pascoli : « beau, mais beau comme / soleil qui meurt », Solon). Devant l’énigme de la disparition d’êtres aimés, mais aussi bien d’un monde réellement signifiant, Benedetti retrouve le souffle silencieux du thrène primordial, celui qui accepte le pathos commun, banal, reçu comme en partage : une forme de dialogue malgré tout, avec tout lecteur lisant, s’il fait sienne du moins cette si nette continuité inéluctable d’un monde désormais unique, et ses « vaches avec leurs veaux / qui dorment comme les enfants », à l’antipode certes d’une certaine avant-garde non pas française seulement mais européenne occidentale. Poésie du corps présent, des mots vivants de l’absence, dénuée des oripeaux philosophiques auxquels nous ont habitués les littérateurs dominants de ce côté des Alpes. La poésie, celle qui fait ce qu’elle écrit, semble donc se retrouver peu à peu, par bribes, par expirations nécessaires. Une vitalité ultime, refusant la complaisance de quelque lamentation ; et l’élégie. D’où Celan, et Pascoli, Leopardi et Dante. Communauté où rien n’appelle, où rien ne s’oppose non plus à qui veut entrer. Comme l’auteur, capable d’éprouver à froid notre malheur d’hommes et de femmes, dans la déréliction féroce du jardin léopardien (mais ici, avec Zanzotto, c’est aussi un inerme « potager »), acceptant de « voir nue la vie », nous pourrons peut-être atteindre alors à cette forme de stoïcisme qui admet :

Mais moi dans ma vie je n’ai écrit aucun poème,
moi dans ma vie je n’ai lu aucun poème.
Et celui-ci personne ne l’a écrit, personne ne l’a lu.

Il serait important de traduire et de voir éditer dignement cet auteur affirmé (et quelques autres) dans ce pays-ci où l’on se plaint périodiquement de l’absence d’un lectorat pour la poésie exigeante, celle qui ne se lit ni comme un traité savant ni comme un « roman ». Nous parions sur l’accueil de cet « imprononçable », tellement proche de notre besoin d’une parole vraie, donc bien sûr lisible (et encore lisible).

Traductions (et Note) de Jean-Charles Vegliante 

Mario Benedetti, Tersa morte, sortie prévue chez Mondadori (Milan), sept. 2013.

Giovanni Raboni (1932-2004) est un autre poète italien majeur du XX^ème siècle, et grand traducteur, en particulier du français – la Recherche, les Fleurs du mal… –, auquel nos critiques attitrés n’ont pas consacré une ligne à l’occasion de sa mort, à l’hôpital de Parme, le 16 septembre 2004. Ce ne veut être rien de plus qu’une constatation, déjà faite ici à l’enseigne d’un parfait « horizon d’entente » existant entre quelques rares opérateurs-éditeurs culturels convenus, des deux côtés des Alpes, en parfaite ignorance de la marginalisation des Lettres (françaises et italiennes) que leurs intérêts particuliers contribuent à aggraver. Mais l’Europe du sud n’est peut-être déjà plus qu’une province de l’un des Empires de notre temps, et ses vieilles langues des dialectes en voie de garage sinon de disparition. Une raison de plus, à vaste échelle anthropologique cette fois, de défendre ces expressions autres, dont le destin est solidairement lié quelle que soit leur valeur effective et leur poids en termes démographiques, politiques et culturels, voire économiques dans le monde sans pitié de la communication. La poésie tire (aussi) sa force de l’absence presque totale d’enjeux réels dans ces domaines, quoi qu’en pensent les opérateurs du champ intellectuel pointés ci-dessus. Auxquels, de cette altitude où nul ne peut plus prétendre, le voyageur Dante aurait sans doute montré en souriant l’inanité du pouvoir dans « la petite aire qui nous rend féroces »*.

Notre Centre de recherches CIRCE a bien sûr essayé de rendre justice à la poésie de Raboni, aussi bien dans http://uneautrepoesieitalienne que lors de divers hommages, dès le 23 novembre 2004 (manifestation Vers d’autres voix à la Sorbonne Nouvelle), puis en Avignon, février 2005 (Lindau-poésie), etc. Cette chronique voudrait en être une forme de continuation, quelle que soit la portée ici de nos voix… Le site dédié, www.giovanniraboni.it (animé par sa compagne Patrizia Valduga, elle-même poète reconnue), poursuit mieux que nous cette entreprise ; on y trouve, entre autres, les belles traductions fraternelles de Jaccottet, naguère publiées par La Dogana (en Suisse). Poezibao, Terresdefemmes et quelques autres lieux virtuels ont également mis en ligne des traductions de Raboni, de même que le nouveau recueil ; l’une de ses dernières interventions en France fut à l’occasion du Salon du Livre “italien” de 2003, où j’avais eu la joie de présenter ses propres lectures de ses poèmes. Une traduction importante, due à Bernard Simeone, a été éditée avec retard chez Gallimard, enfin : À prix de sang (A tanto caro sangue), 2005 (Du monde entier). Trop tard pour que l’auteur et son traducteur puissent la lire. Il est vrai que, parmi les poètes qui comptent, seuls Ungaretti, Montale, Pasolini et d’un peu plus loin Sereni (mais ni Pascoli, ni Saba, ni Betocchi, ni Fortini) ont trouvé une place décente dans notre langue.

Raboni, fin critique littéraire, éditeur généreux de poésie, traducteur, magister affectueux que les plus jeunes regretteront longtemps, a été aussi un amateur exceptionnel de théâtre. On ne sera pas surpris de lire ci-dessous une séquence du début de son spectacle Rappresentazione della Croce, une relecture laïque de la Passion ou, plus largement, de l’un des lieux mentaux de notre monde occidental. Où, affirmait-il, « dans tout texte poétique, l’invention de la croix reste à la fois un point d’arrivée et le point de départ de toute métaphore possible de la passion » (Introd. à P. Ruffilli, Camera oscura, Milan, Garzanti, 1992). Nous avons proposé le texte traduit à divers éditeurs, sans succès pour le moment. Cette pièce théâtrale et poétique a été montée d’abord à Messine, puis à Milan par le Teatro Biondo en 2000 ; les personnages du peuple – dont Judas qui « trahit par amour » parce qu’il faut que quelqu’un le fasse – avaient reçu une première expression dans les Gesta Romanorum juvéniles, dont un groupe de CIRCE avait procuré une traduction, lue en juillet 2001 à Florence (Fondation Il Fiore), et publiée par le même institut que dirigeait alors l’ami Alberto Caramella. Tout cela dans la tradition des Mystères médiévaux, populaires en effet au plus pur sens du terme. Une deuxième pièce de théâtre, Alcesti o la Recita dell’esilio, devait suivre deux ans plus tard (Garzanti, 2002) ; tous ces textes sont maintenant disponibles, avec l’ensemble de son œuvre en vers, dans L’opera poetica, Milan, Mondadori “Meridiani”, 2006 (éd. R. Zucco, 1893 p.). Un peu l’équivalent italien de la Pléiade, et qui inclut la traduction de l’Antigone de Sophocle : le rapport de Raboni au théâtre n’était pas fini.

La récente édition des œuvres complètes de Patrizia Vicinelli (1943-1991), accompagnée d’une anthologie de performances filmées, permet de mesurer la force d’une œuvre qui rend à la poésie son ambition d’art total. Pour Patrizia Vicinelli poésie graphique, poésie sonore et écriture ne sont que trois facettes d’un même geste. Ses œuvres graphiques, y compris les plus abstraites, sont la visualisation de performances vocales allant de la récitation épique à la profération combinatoire de phonèmes.

L’apprentissage de Patrizia Vicinelli est marqué par deux grands « maîtres » de l’écriture expérimentale, Emilio Villa et Adriano Spatola, ainsi que par la participation à la néo-avant-garde, à laquelle elle adhère en 1966, deux ans avant l’implosion du mouvement. Ses premiers poèmes illustrent déjà une virulente critique du langage, comme dans cet extrait daté de 1962 (nous traduisons)     

Ta langue est une langue fourchue et nous
la réduirons en lamelles, la tienne et le langage
de tous

Cette langue fourchue, symbole d’une duplicité serpentine, sera réduite en lamelles, pulvérisée, selon le programme avant-gardiste, et reconstruite à nouveau pour remédier à son appauvrissement culturel et moral : « notre alphabet a tellement  / peu de lettres que j’ai honte », dit un poème daté de 1963.

Refaire un alphabet ex nihilo, repartir par la toute première lettre : tel serait l’objectif de à, a, A, un recueil de poésie visuelle et sonore paru en 1967, dédié à Emilio Villa (la version numérique est consultable ici). L’ouvrage est composé de séquences typographiques, d’enchaînements de lapsus, de calligrammes abstraits jouant délibérément avec l’illisible. Plusieurs langues sont convoquées pour compliquer le jeu : italien, français et anglais. à, a, A est aussi le bruit d’un rire sonore, terrifiant. Cet autre extrait, en français dans le texte, est représentatif d’un tel sarcasme multilingue :

ZZZZZZZ, zed zed : attention attention
l’imprévu de la maison neuve imprévu
votre Q. I. c’est inférieur ∞.

L’esprit de liberté verbale et de dérision poétique de 1968 n’est pas loin. Mais 1968 est aussi la date du durcissement des appareils de pouvoir face à toute forme de contestation. Cette année, un proche de Patrizia Vicinelli, l’intellectuel et ancien résistant Aldo Braibanti, est condamné à la prison en raison de son homosexualité ; son ex compagnon est envoyé en cure d’électrochocs. (Cf. la note historique de Maria Serena Palieri). Patrizia Vicinelli, avec d’autres intellectuels italiens, dénonce cet abus judiciaire. Elle est alors poursuivie pour détention de haschich et condamnée à la prison. Sa fuite au Maroc lui permet d’échapper temporairement (cet exil nourrit certains passages de Non sempre ricordano) mais lors de son retour en Italie, elle est emprisonnée à Rebibbia (1977-78). Elle y écrit une adaptation théâtrale de Cendrillon qu’elle met en scène avec des détenues.  

Dernière page de Apotheosis of a schizoid woman (1979). Source : archivio Maurizio Spatola.

L’ouvrage Apotheosis of a schizoid woman (1979) souligne l’approfondissement des travaux graphiques de Patrizia Vicinelli. Ce livre de collages et de poèmes visuels est imprimé en sens inverse : il se lit de droite à gauche. Le titre détourne un célèbre morceau de progressive rock « 21st Century Schizoid Man », en affirmant à la fois la force et la fragilité d’un sujet féminin. Le discours politique est également présent. Dans un des collages d’Apotheosis of a schizoid woman se détache le titre suivant : « La police voit dans le suicide d’un anarchiste détenu un « acte d’auto-accusation ».

L’allusion aux emprisonnements et aux meurtres politiques revient de manière centrale dans Non sempre ricordano (1986), « poème épique » en huit sections, considéré comme le chef d’œuvre de Patrizia Vicinelli. Pensé graphiquement comme un dazibao (un projet de départ comportait plusieurs affiches illustrées), ce long poème s’inspire de la rhétorique du manifeste. Cris de violence, slogans politiques énoncés en lettres majuscules sont alternés à des moments oniriques et visionnaires. En huit parties s’alternent des scènes de guerre, de passion et d’extase, denses d’allusions historiques et mythologiques.

Non sempre ricordano est aussi un poème « épique » au féminin, à lire à côté de La libellula d’Amelia Rosselli. Les deux poèmes ont en commun le détournement de références patriarcales, invoquées au début pour mieux être renversées : les « esprits des saints endormis » au début de Non sempre ricordano rappellent les « saints pères » de La libellula. Autre convergence frappante, la poésie de Patrizia Vicinelli est marquée par un fort multilinguisme : des fragments entiers de Non sempre ricordano sont en anglais, certains mots en français. Tout le texte est émaillé d’exclamations en d’autres langues qui multiplient ce cri : « Babel restait intacte et hurlante » (Non sempre ricordano, VII).  

Une autre poésie italienne a donné il y a quelques temps une traduction du poème « l’arbre de Judas ». Nous proposons ici un extrait de la deuxième partie du poème Non sempre ricordano. 

Ce titre est celui du blog que nous animons, et augmentons chaque mois, « sous » le site institutionnel du groupe de recherche CIRCE (Paris 3 - LECEMO), Centre Interdisciplinaire de Recherche sur la Culture des Échanges (domaine italo-roman).

Une autre poésie italienne par rapport à celle, largement masculine et nordique, et presque toujours écrite en langue standard centrale, que diffusent les grandes maisons d’édition de Milan et Turin ; mais aussi différente de celle que, par suite de divers avatars d’un « horizon d’entente » convenu entre opérateurs culturels des deux côtés des Alpes, les fameux passeurs officieux nous font connaître ici – et parfois même avec bonheur, pourquoi pas –, en français, selon le bon vouloir de quelques grands éditeurs (presque exclusivement parisiens). Il serait trop long, et ennuyeux peut-être, de revenir ici sur cette misère bien connue des Lettres italiennes et françaises, les unes et les autres condamnées par leur centralisme même et leur structure de pouvoir à devenir petitement « provinciales », comme on disait naguère quand Paris et Florence/Rome se croyaient naïvement encore au centre du monde. Sic transit gloria mundi : il n’y a pas si longtemps au regard de notre éternité anthropologique minuscule, le poète Guinizelli recommandait de « laisser dire aux sots / s’ils croient que le Limousin((Giraut de Borneilh (1138-1215).)) vaut davantage((Davantage qu’Arnaut Daniel, admiré de Dante (et plus tard de Pétrarque), inventeur entre autres de la sextine (1150-1200 env.).)). / Ils prêtent l’oreille au renom plus qu’au vrai / et forment ainsi leur opinion avant / que l’art ou la raison soient écoutés » (Dante Alighieri, La Comédie : Purgatoire, chant XXVI, v. 119-23). Ce dont l’élève Dante prend acte, donnant même sa voix provençale au personnage d’Arnaut Daniel qu’il va rencontrer peu après.

Un auteur exemplaire, pour nous, de cette ouverture, de cette diversité, de ce refus de mise en conformité, voire d’une forme d’insoumission à la doxa et d’insolence, est bien sûr une femme, s’étant exprimée en trois langues au moins (le français et l’anglais avant l’italien qu’elle choisira pour finir), et n’ayant appartenu à aucun courant ni école, même si la néo-avant-garde des années 1960 et l’antagoniste célèbre Pasolini ont essayé de l’annexer. Parler de cet auteur, proposer ses textes (aussi bien originaux que traduits) est devenu plus facile depuis sa mort (elle s’est jetée dans le vide un 11 février), au risque de la canonisation, entre Rimbaud (qu’elle aimait dire sororal), Campana et Artaud, même pour de jeunes publics qui la découvrent aujourd’hui. Mais Amelia Rosselli – dont j’avais édité en 1987 Impromptu, avec la Librairie italienne de Paris ‘La Tour de Babel’ (à défaut de grands éditeurs) – ne fait pas partie des poètes présents dans notre blog, tout simplement parce qu’elle n’a jamais écrit, sauf erreur de ma part, dans le domaine thématique qui oriente aussi nos choix, sommairement présentés ci-dessus : pour faire vite, la dégradation du paysage européen et ce que j’ai essayé d’exprimer une fois (en poésie) comme « désastre atmosphérique »((Dans Le nouveau recueil 81, déc. 2006 - fév. 2007. La première partie de La libellule a paru sous forme de pré-publication CIRCE il y a quelques années (une réédition d’Impromptu, enrichie de sa version anglaise, est sous presse chez Guernica, au Canada, par les soins de Gianmaria Annovì).))

Il était juste qu’elle figurât ici, en ouverture d’une possible collaboration entre notre petite équipe de jeunes chercheurs italianistes et la revue en ligne qui nous a offert généreusement son hospitalité. J’ajoute que deux membres de CIRCE impliqués dans l’opération travaillent eux-mêmes sur cet auteur, Sarah Ventimiglia (surtout attirée par l’étude du rythme) et Emilio Sciarrino, déjà spécialiste reconnu du plurilinguisme dont Amelia était et demeure l’un des principaux représentants dans le domaine ‘italique’ ou italo-roman qui est le nôtre.

Cette chronique a été proposée durant des années par notre collaborateur  Jean-Charles Vegliante. Cette première édition date d'octobre 2016.

∗∗∗

Pour cette anthologie, nous proposons quelques exemples – parfois singuliers mais d’après nous bien caractéristiques – de la poésie italienne majeure et parfois “mineure” ou minorée mais non moins importante, venue après l’immense travail fondateur de Dante Alighieri : aussi bien en ce qu’elle a pu constituer une source pour d’autres littératures européennes et au delà (on pense surtout à Pétrarque), que par son irréductible particularité, souvent occultée ou ignorée de ce côté des Alpes.

Première livraison :

-      Pétrarque, évidemment…

(Le sonnet d’abord,

 tel qu’en lui-même enfin…)

                   “Désir fou qui espère…”

Vous qui écoutez en vers épars le son
de ces soupirs dont je nourrissais mon cœur
aux premiers temps de la juvénile erreur,
quand j’étais presque autre homme que je ne suis,

du style divers où je pleure et raisonne
entre vaine espérance et vaine douleur,
si vous avez connu l’épreuve d’amour,
j’espère trouver pitié, sinon pardon.

Or je vois enfin comment de tout le monde
j’ai été longue fable ; et donc, bien souvent,
revenant sur moi, de moi-même j’ai honte ;

et cette honte est le fruit de mon délire
et le repentir, et clairement savoir
que ce qui plaît au monde n’est qu’un bref songe.

F. Petrarca, R.V.F., i

L’adorable pâleur qui recouvrit
D’un nuage amoureux le doux sourire,
À mon cœur se montra si souveraine
Qu’il vint à sa rencontre en mon visage.

Alors je connus comme, au Paradis,
On sait tout l’un de l’autre, tant fut plaine
La pensée bienveillante, que ne virent
Hormis moi aucuns, qui ailleurs s’engagent.

Tout angélique aspect, tout geste aimable
Qui jamais apparut en femme éprise,
Comparé au sien serait négligeable.

Elle tenait baissés ses beaux yeux fiers,
Et se taisant disait, de moi comprise :
Qui, mon fidèle ami, veut te soustraire ?

F. Petrarca, R.V.F., cxxiii

Jamais sur un toit passereau solitaire
autant que moi ne fut, ni bête en un bois,
si je ne vois son visage, et ne connais
d’autre soleil, ni d’autre objet pour ces yeux.

Des larmes sans fin sont mon plaisir suprême,
le rire deuil, tout mets poison et absinthe,
la nuit angoisse, et le ciel bleu m’est de plomb,
et un rude champ de bataille mon lit.

Il est bien vrai que le sommeil, comme on dit,
est parent de la mort, s’il soustrait le cœur
à la douce pensée qui le tient en vie.

Fertile pays, le seul aussi heureux,
vertes rives fleuries, ombreuses vallées,
vous possédez mon bien, et moi je le pleure.

F. Petrarca, R.V.F., ccxxvi

Francesco Petrarca, Rerum Vulgarium Fragmenta (Canzoniere)

-      Un écho lointain, par-dessus Leopardi :

(non plus sonnet,

mais Ballata minima)

       Le passereau solitaire

Toi dans la tour ancienne,
   passereau solitaire,
   tu essaies ton clavier,
   comme en son sanctuaire
   moniale prisonnière
   l’orgue, à ses doigts légers ;

que, pâle tout-à-coup,
   saisit l’étonnement
   de trois notes cachées,
   dans l’orgue, seulement
   trois, fuyant comme mots
   ensevelis, en paix.

D’un lointain sanctuaire
   empreint de mort encens
   dans ses grands caveaux vides,
   par le silence immense
   tu envoies tes trois notes,
   ô esprit solitaire.

Giovanni Pascoli, Myricae 1896

Cf.  http://www.recoursaupoeme.fr/chroniques/avec-une-autre-po%C3%A9sie-italienne/j-c-vegliante-1

_______________________

-       Tout autre chose bien sûr, Michel-Ange :

                      (Madrigal)

Quel est celui qui de force à toi m’amène,
hélas, hélas, hélas,
lié serré, où libre suis d’entraves ?
Si tu peux enchaîner autrui sans chaînes,
et si sans mains ni bras tu m’as mis en cage,
qui me défendra contre ton beau visage ?

 Rime (M. 1)  

                       (Sonnet)

Tout vide clos, tout espace couvert,
quoi que ce soit qu’une matière enserre
conserve la nuit, tant que vit le jour,
contre ses lumineux solaires jeux.

Et si elle est vaincue par flamme ou feu,
le soleil chasse (ou lumière plus vile)
et la prive de ses divins atours,
au point que l’entame un simple petit ver.

Ce qui s’offre au soleil et se travaille
en mille graines et plantes diverses,
le rude laboureur du soc l’assaille ;

mais seule l’ombre sert à planter l’homme.
Donc les nuits sont plus saintes que les jours :
l’homme vaut plus que toutes les semailles.

Michelangelo, Rime (Son. 42)

-       Et Della Casa, vers un maniérisme ? 

Ô Sommeil, ô de la calme, humide, ombreuse
Nuit pacifique fils ; ô des pleins de maux
mortels réconfort, doux oubli des malheurs
si lourds dont la vie est âpre et douloureuse ;

secours ce cœur qui souffre et n’a de repos
désormais, et ces membres las et fragiles
soulage-les : vole vers moi ô Sommeil,
étends tes ailes brunes sur moi et pose.

Où est, loin du jour lumineux, le silence ?
et les rêves légers qui sans traces sûres
ont pour habitude de suivre tes pas ?

Hélas, en vain je t’appelle et ces obscures
froides ombres, je les flatte en vain. Ô draps
pleins d’âpreté, ô nuits poignantes et dures !

G. Della Casa, Rime

-       Des salons…     

           Femme qui coud

Oui c’est un dard, non l’aiguille
dont use en son ouvrage
celle, neuve Arachné d’amour, que j’adore :
pendant qu’elle pique et brode son beau lin,
de mille pointes perce mon cœur, et point.
Malheureux, ce trop charmant
fil de sang qu’elle tire,
coupe, noue, et affine, tourne et retord,
sa belle main chérie,
c’est le fil de ma vie.

                                                   G. B. Marino, Madrigale LXXIV

                Sifflet XXXIII

Voici un démenti en plein sa gueule
à quiconque oserait nous affirmer
que Murtola ne sait pas bien poeter
et qu’il devrait retourner à l’école.
   Je sens que monte en moi une ire folle
quand j’entends que quelqu’un veut le blâmer ;
car nul ne saurait faire s’étonner
comme lui fait, en sa moindre parole.
   Est du poete la fin l’étonnement
(je parle du suprême, non du bouffe) :
qui ne sait stupéfier, qu’il aille au ban.
   Moi je ne lis jamais ses choux, ses touffes,
sans soulever de stupeur mes sourcils :
comment être à ce point un imbécile !

                                                                             G.B. Marino, Murtoleide

-       et des prisons :

                     Au cachot

Comme va vers le centre tout corps pesant
depuis la circonférence, et comme encore
dans la bouche du monstre qui la dévore
la belette court craintive et minaudant,

ainsi quiconque de science grand amant,
qui plein d’audace depuis le marais mort
passe à la mer du vrai, dont il s’énamoure,
dans notre hôpital vient finir à la fin.

Que les uns l’appellent ‘l’antre à Polyphème’,
d’autres ‘palais d’Atlante’, certains ‘de Crète
le labyrinthe’, et certains ‘le fond d’Enfer’

(car là ne vaut faveur, savoir, ni rosaire),
je peux te le dire ; au demeurant je tremble :
c’est bastion voué à tyrannie secrète.

T. Campanella, Opere

_________

Qui pénètre en cette horrible sépulture
où règne une pérenne cruauté
trouvera écrit sur ces murs du Tartare :
“Quittez l’espérance vous qui entrez !”
Il fait jour ici autant qu’en nuit obscure,
toujours à souffrir, supporter, peiner,
car on ne sait jamais ni le jour ni l’heure
d’un retour à la chère liberté.

G. Di Michele, Opere “Cui trasi…”

Cf.  http://www.recoursaupoeme.fr/essais/un-p%C3%A9trarquiste-sicilien-m%C3%A9connu/j-c-vegliante

-       ou prisons intérieures :

            Le premier dormeur
l’un, fœtal, dort,    
à la fois respiration et apnée
accusation et pénitence
mémoire arrachée et idée
luisante mais bannie…

pourquoi ainsi s’attester
alors qu’il est un vieux désormais ?

dans l’inconscience il souffle

sur ses genoux une autre
fervente vie

           Le deuxième
dort-il ? oh si une main
légère l’effleurait
comme un rose pastel
sur un papier jaune !…

comme une langue vive
sur la peau brûlée !… 
la géographie du sang
viendrait à la surface…

(seule sa tempe bat
dans le corps ensaché
et sa mine éteinte
cache s’il fut heureux)

         Le troisième
ne dort pas : il est empêtré
dans un enfer où de
râpes langues le haranguent
qu’il a du mal à contenir…

s’embrèchent les veines
dans la pénible querelle…
poursuit en son intérieur
une écharde à l’envers…

s’il se souvient ? oui, il se souvient !
mais tout a été instigué…
un jour, cette heure, peut-être…
mais tout est là déphasé

Eugenio De Signoribus, Trinità dell’esodo (2011) 

Cf. http://poezibao.typepad.com/poezibao/2015/09/anthologie-permanente-eugenio-de-signoribus.html